La irresistible atracción de un corazón de plástico

Entre las galerías de arte de Le Marais, el barrio más movido de París, me planté de pura casualidad ante una vidriera detrás de la cual un corazón gigante -rojo, hecho de pequeñas piezas de plástico entretejidas- giraba suavemente.

Me dejé llevar por la imagen hipnótica y entré.

Sin ningún tipo de protocolo -léase invitación- me encontré en la inauguración de la primera muestra de Joana Vasconcelos -Où le noir est colour- en París.

Y eso es mucho decir porque esta artista está dando que hablar entre los nuevos fichajes del arte contemporáneo.

Música de fado mezclada con formas sensuales delineadas en cada obra que esculpe.

Su obra se centra en el status de lo femenino, en remarcar las diferencias sociales y en señalar la identidad nacional con la sutileza de quienes desbordan talento.

Veamos quién es esta chica.

Si bien Vasconcelos nació en París en 1971, vive y trabaja en Lisboa de donde es oriunda toda su familia que debió exiliarse durante la dictadura de Salazar en Portugal.





Joana trafica lo popular (lo artesano) y lo conceptual, se apropia de procedimientos del diseño industrial y de su propio "objetualismo" poético. Parece querer combinar lo íntimo con lo evidentmente expuesto.



Vasconcelos marca un estilo que amaga con sacudirnos con sus dimensiones, con sus manequíes tan humanos como perversamente sacralizados, quizá tratando de involucrar a quien mira en construcciones críticas de dimensiones imprevistas, imprevistas y gigantes en todos los sentidos.



No despliega nuevas intenciones, pero su modo de mirar la sociedad de consumo y ejercer su crítica, no juega con el humor o la protesta -ya procedimientos muy manoseados- la delicadeza de la poesía que traducen su obra se perfila como su marca registrada.

Hasta el 1 de marzo en la Galeria Nathalie Obadia.

Podés ver más obras aquí.

Publicado por Cristina Civale

Todos somos punks, todavía

Civilización & Barbarie
Londres, enero 2008.

Nada más ni nada menos que el eje sobre el que hoy se monta parte del arte contemporáneo reside en la teoría sobre la que se basó la muestra Panic Attack!: Art in the Punk Years y que ahora se ha convertido en un libro de consulta obligatoria para conmemorar los 30 años del movimiento pero también mucho más.

Panic Attack!: Art in the Punk Years es una exhaustiva investigación sobre las escenas artísticas británica y americana del punk y el post-punk de la que se puede inferir un proceso de contaminación global.


Obra del argentino David Lamelas incluida en la muestra

El libro -que ahora puede adquirise en España y América Latina a través de la distribuidora Cataclismo- recoge los resultados de la muestra curada por Mark Sladen, director del Institute of Contemporary Art de Londres, y Ariella Yedgar, curadora idependiente.

La exposición tuvo lugar en Londres en la Barbican Gallery durante el último otoño europeo e incluyó la obra de treinta y tres de los más importantes creadores de esa época cuya obra refleja el espíritu rebelde, incisivo, independiente y anárquico del punk, un espíritu que hace eco en estos días, reciclado, escondido pero vívido aún.


Patti Smith por Robert Mapplethorpe ©

En Panic Attack!: Art in the Punk Years se pueden encontrar ensayos de prestigiosos autores británicos y americanos sobre aspectos como la disolución de las fronteras entre disciplinas artísticas, la primacía de lo participativo, el uso de lugares alternativos, el desarrollo de las escenas underground en Nueva York y Londres, y las estrategias políticas de rechazo al conservadurismo de la era Tathcher y Reagan que desarrolló la fotografía en esos años.


Jamie Reid. God Save the Queen (Single Cover), 1977

Se incluye también una rigurosa cronología sobre los acontecimientos musicales y artísticos producidos durante ese período.

Bonus track, artistas incluidos en el libro: Jean-Michel Basquiat, Victor Burgin, COUM Tran smissions, Tony Cragg, Ceryth Wyn Evans, Gilbert & George, Nan Goldin, Keith Haring, Jenny Holzer, Peter Hujar, Derek Jarman, Mike Kelley, Barbara Kruger, David Lamelas, Linder, Andrew Logan, Robert Longo, Paul McCarthy, Robert Mapplethorpe, Gordon Matta-Clark, Mark Morrisroe, Tony Ousler, Raymond Pettibon, Adrian Piper, Richard Prince, Jamie Reid, Martha Rosler, Cindy Sherman, John Stezaker, Hannah Wilke, Stephen Willats, David Wojnarowicz, Bill Woodrow.


Flashes de la exposición y opinión de los curadores

Publicado por Cristina Civale

Fernando Lemos e o surrealismo

O Menino Imperativo do Vespeira, 1949/52-05
(© Fernando Lemos)

Andava de um lado para outro a compilar informação sobre Fernando Lemos e dei de caras com um filme sobre o artista, captado por ocasião da exposição Fernando Lemos e o Surrealismo, no antigo Museu de Arte Contemporânea de Sintra.
Não era preciso dizer, mas garanto-vos que vale bem a pena esperar uns minutos até as imagens carregarem até ao fim. O filme foi feito por Pedro Aguilar e Pedro Almeida.

Sérgio B. Gomes

Para ver o filme clique aqui.

Pôr do Sol e Alvorada, 1949/52-05
(© Fernando Lemos)

Fernando Lemos and Surrealism exhibition held at the Sintra Museum of Modern Art - Berardo Collection in November of 2005.


The exhibition, Fernando Lemos and Surrealism, included an important selection of works from international Surrealism, as well as a series of pieces by major Portuguese artists, thus accomplishing the collector’s main objective.

When José Berardo began this collection of modern art, he was full of intention and desires. His passion for art and the possibility of sharing its enjoyment with the public at large joined his founding dream of giving Portuguese artists the opportunity of exhibiting their works side by side with major international masters.

Fernando Lemos, an active participant of the surrealist movement in Portugal, is author of a series of photographs, created between 1949 and 1952, before his Brazilian exile, which have since gained a place in Art History as major examples of the surrealist aesthetics. The recent incorporation of these pieces in the Berardo Collection aims at complementing our overview of Surrealism with the work of this extraordinary artist, who is fully the equal, in terms of quality and innovation, of the great names of universal art.

This led to two exhibitions, shown for the first at the Sintra Museum of Modern Art – Berardo Collection in November of 2005, which combined several strands of surrealist thought to divulge the history of this movement and its protagonists. Then later exhibited at the colossal Centro das Casa das Mudas, recently built on Madeira Island.

These exhibitions were an opportunity to bring the work of Fernando Lemos into dialogue with other Portuguese and foreign artists, one of the main objectives of the Berardo Collection. Thus presented for the first time were some of the most famous Surrealist artists – Salvador Dali, Max Ernst, Man Ray, Joan Miró, André Masson, Matta, in “open conversation” with Portuguese Surrealists like Mário Cesariny, Cruzeiro Seixas, Mário-Henrique Leiria and many others.

Te amo-Yo no

Desde ayer y hasta el próximo lunes 17 una pareja de performers realizará un experimento en la tienda trendy Solo Amor de Madrid.

Se trata de Siete intentos por separarse el uno del otro.El proyecto forma parte de Madrid Procesos 07, organizado por AVAM, con el apoyo de la Comunidad de Madrid.



Los artistas holandeses Eva Schippers y Serge Lammerts se encerrarán durante 7 días en un espacio de 4 metros cuadrados

Durante esa semana completa los artistas vivirán juntos en una habitación minúscula y sólo tendrán una idea en la mente: cómo deshacerse de la otra persona y crear su propio espacio personal.

Las acciones serán documentadas en vídeo e imágenes fotográficas.

El proyecto se basa en el estudio de las nuevas situaciones que se desarrollan en el mundo de la pareja, en las cuales cada una de las partes busca el equilibrio entre la convivencia y el amor y en las que el inevitable paso del tiempo va deteriorando las relaciones.

Eva Schippers y Serge Lammerts llevan trabajando juntos de manera regular desde hace tres años, en los que han desarrollado fundamentalmente un trabajo de performance de caracter social y humano.

Bajo el nombre de Atelier SEVA han investigado la delicada línea existente entre el deseo de “estar juntos” y la aparente imposibilidad de dejar de ser uno mismo por el otro. Estos serán los siete intentos por separarse que llevarán a cabo durante la semana:

1º Intento: durante el primer día los artistas trabajarán con prendas de ropa, construyendo una pared de tela que les separe.

2º Intento: el segundo día, los artistas crearán una distancia fija entre ellos, valiéndose de diferentes objetos, para hacerles imposible su movilidad en el espacio.

3º Intento: durante el tercer día el espacio se organizará como un laberinto, donde los artistas serán como fichas de un juego.

4º Intento: el cuarto día, la acción consistirá en la rotura y reparación de vajilla domestica (platos y tazas).

5º Intento: se basará en la comida y el proceso de comer.

6º Intento: los artistas se pintarán el uno al otro utilizando el mismo color de la pared, logrando en ese proceso ‘borrarse’ mutuamente. En la pared opuesta del escaparate estará dispuesto un reloj que marcará el paso del tiempo al revés, simbolizando las memorias desvanecidas en su proceso de desaparición mútua.

7º Intento: durante el último día, se desarrollará una acción basada en el acto de verse y escucharse mutuamente.

¿Ganará el amor o la furia?

Publicado por Cristina Civale

Fadas digitais

Hadas digitales

El mundo mágico y femenino de la suiza Annalies Strba (1947) llega a Milán, a la galería Carla Sozzani. Con su romanticismo y su intimidad algo folk, delicada, liviana y llena de colores: algo así como un impresionismo digital que fue definido como el "simbolismo de fin de siglo manipulado a través de un software".







Dice que la lectura infantil de Cumbres Borrascosas de Emiliy Bronte ilustrada por Balthus marcó el tono de sus realizaciones.



Štrba captura el mundo creando un universo encantado y difuso mujeres etéreas, suspendidas en el drama romántico y retratadas precisamente con la calma de un pintor porque, como dice la artista: "el mundo real siempre resultó muy aburrido para mi".

Publicado por Cristina Civale

Blog Civilización e Barbarie:"Traigan las tropas a casa": un premio al pacifismo

"Traigan a casa a las tropas, devuélvannos nuestros derechos, confíen en la gente", dijo el artista inglés Mark Wallinger después de ser seleccionado para uno de los premios más controvertidos del mundo del arte, el Turner, que se adjudicó ayer y que recibió en la Tate de Liverpool -ciudad de la cultura europea 2008- de manos del Easy rider Dennis Hooper.

Wallinger conocido por recrear una protesta de un sólo hombre contra la guerra de Irak pidió, sin titubear, el regreso de las tropas.

El artista (Essex, 1959), se llevó el premio con State Britain, una meticulosa reconstrucción de la acampada pacifista frente al Parlamento en Londres del manifestante contra la guerra de Irak Brian Haw.


Wallinger y su State Britain, ganadora del Turner 2007
en ingles sin subtítulos, pero valen la pena ver los detalles de la obra

Sus contrincantes no era menos comprometidos ni belicosos. Veamos:

Iglesias y mezquitas de Nathan Coley
camuflan su poder con lonas circenses



Un laberinto de Mike Nelson refleja
la indefensión de los marginados

El Turner es un premio otorgando a artistas menores de 50 años, sus ganadores suelen marcar tendencia en el arte contemporáneo "in progress"
Una tendencia cuya refinada sintonía con el mundo de hoy es para celebrar.

Publicado por Cristina Civale

León Ferrari: León de Oro en la Biennale de Venecia

Ferrari -último a la derecha- y los otros premiados este mediodia en Venecia


por Cristina Civale

Estoy aquí, en el Arsenal de Venecia, en la sala de prensa de la Bienal, en esta computadora en la que no emboco los acentos. Chiara Costa, del equipo de prensa tampoco me sabe decir como se ponen: entonces disculpas, hasta que no me encuentre con mi laptop, este post será sin acentos o con acentos tanos.

Ahora empieza la versión 2.0, con acentos, desde mi laptop.


La Civilización Occidental y Cristiana -1965-

Tengo las manos calientes y el corazón que se me sale del cuerpo, estoy emocionada: León Ferrari, sin duda el artista visual argentino contemporáneo más talentoso, grosso, humilde, de choque y creativo, se llevó el León de Oro al "mejor artista presente en la muestra central de la Biennale", en su edición 52, este mediodía en el Teatro alla Tese dell' Arsenale di Venezia.

Más de trescientos invitados lo aplaudieron. Humilde y breve, agradeció a José Roca, Director de Arte del Banco de Bogota y director artístico de Phligrafika 2010 de Philadelphia, de manos de quien tomó el premio.

Las razones dadas: " En el Arsenal se presentó un corpus de trabajo que ofrece algunos ejemplos de una larga carrera. El artista en cuestión continuó a desarrollar una práctica crítica en el contexto de una situacion política y social muchas veces adversa. Este premio se le entrega no sólo por su actitud ética y por su compromiso poíitico sino también por la relevancia estética contemporánea, inesperada para una obra que se ha desarrollado en los últimos 60 anios"(Tomada de la versión en italiano, la inglesa es ligeramente diferente).

Con sus ochenta y largos años, este premio no hace más que confirmar lo que ya todos sabemos y apreciamos de su obra. Que es monumental, poderosa, sin concesiones: su Cristo colgado en un avión de guerra (la obra que marcó un hito en su carrera y en el arte argentino), la obra llamada "La civilizacion occidental y cristiana"; sus recientes collages presentados aquí: una serie de falsas tapas de L'Osservatore Romano con frases de papas ilustradas con irreverentes obras de liturgia o fotografías de militares más su obra reciente en poliuretano constituyeron el corpus que impactó al jurado formado por Manuel Bora Villet, presidente y director del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona; Iwona Blazwick, directora de la prestigiosa galeria londinense Whitechapel; Abdellah Karroum, curador independiente de París y el ya mencionado José Roca.

Lo saludé entre el tumulto y ahora espero mientras termina su "pranzo" de honor con las autoridades de la Biennale a que me regale unas palabras. Pero conozco su parquedad y lo que ahora importa es este reconocimiento a su obra.

Este mismo mediodía recibieron premios el austríaco Andreas Fogarasi por la mejor participación en un pabellón nacional; Emily Jacir, jordana, recibió el Leon de Oro a la mejor obra de una artista menor de 40 años (ayer justamente comentaba que era una de las obras que más me había impactado, va en el próximo post una reseña sobre ella y fotos exclusivas); hubo una mención de honor para el bulgaro Nedko Salakov y el Pabellón de Lituania mereció el gran premio como pabellón de un país.

Cambio y fuera, perdón por las imprudencias gramaticales de la versión 1.0. (Ya resueltas, espero)

Felicidades al gran gran León!!!!!

Ps: Chiara me informa que Ferrari terminó por fin de almorzar, aquí ya son casi las 4 de la tarde, y ahora viene hacia la sala de prensa, generoso, a hablar un par de minutos... Espero...

PS 2: Luego de recorrer una vez más el pabellón donde se exhibe su obra, finalmente viene a mi encuentro. Ya van a ser las cuatro y media. Llega, acompañado de su mujer y de su hijo, feliz, más que feliz. Me deja que lo abrace esta vez y lo primero que me dice en italiano: "Yo soy muy malo -sono molto cativo-. Ahora después de esperar 87 años por fin llega este premio, el más grande. Me alegra pero también es una lastima: ya no habrá otra Venecia, debería esperar toda otra larga vida y sería muy aburrido".

Espió el blog, se rió de su foto -gentileza de la Bienal- y dio una tácita aprobación. Luego se fue a seguir festejando con los suyos.